即将于6月二号上映的《蜘蛛侠：纵横宇宙》烂番茄口碑已新鲜出炉，97%的好评率不光超越了前作已经拿过奥斯卡最佳动画的《蜘蛛侠：平行宇宙》，也一举改变了蜘蛛侠在电影地位上的局势，打响了史上最佳超英动画的名号。
一般来讲我不会在一部电影出来之前大放厥词的下定论，但《蜘蛛侠：平行宇宙》的质量是一个有力的论证，全体画师秉持着“精益求精”的精神也让我坚信，《蜘蛛侠：纵横宇宙》的故事或许不会出现大规格的创新，但其精彩绝伦的画风融合，3D与2D间的艺术碰撞，势必会一次又一次地刷新观众的眼界。
原来“艺术”还可以这么大锅炖。
本篇文章将带领各位领略《蜘蛛侠：平行宇宙》系列独树一帜、看似眼花缭乱，却又主题明确的美漫艺术，帮助你更好的享受《蜘蛛侠：纵横宇宙》的感官风暴。
在他创作的故事下，很少会出现言语上的说明，通常都是通过动作的张力，角色的体态与姿态，镜头的调度等直观感受，来讲述一个故事。
米尔戈本身就像是信仰着童话故事的悲观主义者，或许这世界不乏会出现一些真实的超级英雄故事，但是往往故事的最后，屠龙者终成恶龙。
这点尤其在《证人》与《吉巴罗》中有所体现。
《证人》本质上是一个无法跳脱循环的悬疑悲剧，但其内核却是两个处于灰色地带的人物，因为错误的原因，在错误的时间与地点相遇了。
他们之间缺乏正确有效的沟通方式，而是由于某种偏差的目标，造成了无限荒唐的误解。
伴随着一种终将走向悲剧的窒息感，《证人》的画风充满着看似“滥竽充数”的线条，就像是艺术家无序的笔触，杂乱无章的填涂。
但恰恰是颜色的溢出，故作深沉的粗狂线条，才让《证人》的画风充满了不可思议的故事性。
一种位于2D与3D之间巧妙的关系，3d的人物与建模，拉近与观众的距离，用于搭建荒诞故事体系下的大框架，使其具有强烈的视觉冲击力，同时刻意增添2D素描中常见的辅助线扶持，强调那些“看不见的部分”，达到明暗突出的效果。
《证人》并不是纯粹的艺术风格，也很难说得清，放眼故事整个场景的构造，不乏有极具生活气息的老香港闹市，也有表面干净却又肮脏的脱衣舞俱乐部，同样还有直冲云霄的霓虹灯大厦，它是赛博朋克的宏大世界观，是某种现象级场景的烙印，更是人类社会复杂关系的体现。
但无法改变的是，《证人》在以一种非常高级的视听体验，刺激观众的神经，或许所有的故事都有终点，但艺术永远不会止步不前。
所以，米尔戈笔下的作品，不再主观的阐述故事的核心，回归到了一种原始社会的状态。
有大色块的堆叠，大笔刷的量感，结合一些漫画的拟声词元素，2d平面设计的线条，以及电影的镜头叙事，打造出了一“部”独一无二，专为视听服务的长篇“画作”。
以前如果有人提到成人动画，我第一时间想到的会是一些r18的色情动漫，但是现在我脑中浮现的，是美漫中常见的地狱笑话恶搞；暴力、残酷、血腥的美学；风格化的美术，对我自己来讲，美漫的画风致力于打破2d与3d之间的界限，夹杂成年人的思考与幻想，融入诡谲绚烂的理想国度。
《爱死亡与机器人》第三季的压轴作品《吉巴罗》相比米尔戈以往的作品变得更加抽象，一个聋哑骑士与女海妖之间充满贪婪、欲望、厮杀的”爱情“。
骑士因为贪婪爱上了海妖，海妖由于不对等的信息差，爱上了骑士，他们带着各自的理由与目的相拥，再被错误的期盼所摧毁。
强加的宿愿最为致命，米尔戈依旧再以人类社会心理为主，雕刻一些原本美好的童话。
只不过《吉巴罗》的美术风格更为纯粹，少了辅助线条的支撑，转而投入更多的3d细节，但在观看的过程中依然会有一种在品鉴超现实主义画作的感觉。
这便是米尔戈所一直提倡的成人动画，虽然常规的素描线条改为了3d光影，但远景的山水，近景不经意间漂浮的树叶，都是由一帧又一帧的油画构成，有时不需要复杂的3d细节，才能更好的强调2d美术带来的色彩碰撞。
矛盾感往往来源于人们对于现有场景元素的突兀与不符，从而诞生出一种自我怀疑。
《吉巴罗》的水妖被金碧辉煌的珠宝所包裹，但却与自然融为一体。
无知的骑士身着厚重的盔甲穿梭于森林，阳光直射金属，散发别样的光泽。
米尔戈执着于不同画风的对撞，热衷于有机体的温度融合无生命特征的冰冷，一切服务于剧情本身，利用画面信息传达一个故事，无形中让观众也身处于那片氛围，便不会产生矛盾。
人体的感官非常奇妙，不同人对于色彩，景象，风格，所体验出的感觉都不一。
有些人对颜色较为敏感，作品中常常以颜色来区别角色与场景的主次关系，而非影视中常见的景深对焦。
有些人对笔触掌握娴熟，或重或轻的完成一副棱角分明的作品，热衷于钢笔强硬的墨汁。
有些人对上世纪美漫粗糙的印刷风格情有独钟，偏爱于若隐若现的线条与辅助线，为作品增添一丝年代感。
而以上这些人都是米尔戈，在一个艺术家的世界中，不分画风的对错与高低，只分幻想的构筑与组成，一副画作不应该是死气沉沉，欣赏的人置身其中，走进艺术家的世界，一部电影不应该只注重长篇大论的文字，会呼吸的摄像机是观众，会表演的人是叙事。
我们不会因为一段无色的话语去判断一个人的神态，而是通过一个人的神态，去判断他所说的话语。
米尔戈是一个真正的艺术大师，因此即使《蜘蛛侠：平行宇宙》的故事略微平庸，但其注入艺术家灵魂的画面，注定让它会横扫各大奖项，成为教科书级的存在。
——抽帧与涂鸦艺术
现有的影视叙事，通常是通过人物的内心独白，环境的外在因素，他人的角色弧光，不同的叙事计谋，来体现主角的自我成长。
而《蜘蛛侠：平行宇宙》比较特殊，似乎深知故事注定走向可预测的结尾，便返璞归真的用抽帧的方式，来体现人物的成长轨迹。
看过《蜘蛛侠：平行宇宙》的观众，应该都能清晰的感受到电影在前期频繁出现掉帧的情况，然而到后期这种情况又巧妙地消失了。
这是因为动画组故意做了抽帧的处理，并且只针对了主角小黑蛛一人。
常规的动画刷新帧率为24帧，而小黑蛛在前中期本身只存在12帧的图画刷新率，所以看起来卡卡的。
但是后期伴随着小黑蛛的成长，帧数逐渐回归正常，也代表小黑蛛终于独立成为了一个超级英雄。
这种通过画面直达叙事的表现形式，可以更好的让观众感受到主角的成长轨迹，并为之动容。
24帧与12帧的关系就像是缺失了人生次元的另一半，待完整之余才真正的成为了自我。
在中期小黑蛛与老蜘蛛挡丝的过程中能尤为感受到两者帧数的差别，而后期小黑蛛独立的在城市游荡，则与前面唯唯诺诺、手足无措的自己形成了鲜明的对比。
《蜘蛛侠：平行宇宙》在大部分时间里，都利用栩栩如生的漫画表现形式，替代电影镜头的繁杂。
流畅且观赏性极强的跑酷动作，与风驰电掣的速度是蜘蛛侠的一大特征，想要让观众能更清楚的感受风声划过耳边的声音，不光要做到上述的表现，还要想方设法让观众能看清楚蜘蛛侠的动作。
电影中常用的慢镜头有时会打断电影的节奏，也不太适用于蜘蛛侠这名角色。
考虑到漫画本身的特性，动画组采用动态CG与手绘线条叠加的手法，添加了关键帧，使蜘蛛侠在跑酷的过程中出现了不同维度的画风，从而增强视觉冲击力，也保证了漫画定格的特殊性，不失动画原有的质感。
涂鸦艺术是《蜘蛛侠：平行宇宙》中最常见的2d手绘，由于迈尔斯本身就处于一个叛逆、性格张扬的年龄段，这种艺术表现被很好的融入进背景世界，也展现了一个完全不同风格的蜘蛛侠。
迈尔斯并没有经历彼得帕克那般失去至亲的痛苦，也没有得到“能力越大，责任越大”的真谛，事实上他身上所具体展现的风格，就是我们年轻人狂妄不羁的那一部分。
涂鸦艺术作为20世纪末流行的艺术，没有框架的束缚，几个喷枪，一面墙壁便可以大展宏图地施展身手，随处可见的钢筋混凝土建筑，都是年轻人眼中的画卷，伴随着大范围迷雾的喷洒，一个带有强烈主观意识形态的作品诞生了。
大色块的填充，高对比色，渐变色是涂鸦文化常会出现的色彩搭配
涂鸦艺术本身具有一定的政治色彩，常常作为抵抗宣言抑或是政治宣传，但同时也代表了人民的自由性，因为它可以存在于任何地点，也不需要任何的入场券，每个人都能看到，是一种不受政府控制的表达方式。
所以涂鸦艺术的性质也很好的跟蜘蛛侠这名蒙面英雄契合，即不在政府的管辖之内，合理的存在。
从漫画吸取灵感的《蜘蛛侠：平行宇宙》
原本就脱胎于《蜘蛛宇宙》漫画的《蜘蛛侠：平行宇宙》并没有循规蹈矩的追逐漫画的剧情，而是开启一个能更好搭配画面风格的故事。
而《蜘蛛侠：平行宇宙》的画面风格，便是以漫画为核心基础，同时也是一个只存在于米尔戈脑中的世界。
——言语为辅，画面为主
让观众成为一个读者，让读者成为一个观众。
观看《蜘蛛侠：平行宇宙》就像是阅读一本老旧的漫画书，勾起了回忆，唤醒了原本灰色的世界。
大量的漫画分镜运用于小黑蛛实际的成长过程，青春期懵懂的心思与无所适从的慌张被用大小气泡的方式着重标明。
加粗的字体是漫画文本的重点，黄色的文本框是最醒目的个人独白。
而呈数字图形做直线运动的词条，往往是物体碰撞发出的拟声词，当小黑蛛第一次爬上楼顶，试图复刻成为蜘蛛侠的经典故事，换来的是一连串的“aaaaaaaaaaaaaa”叫声，与漫画定格的骨头断裂。
那些“aaaaaaaaaaaaaa”被融入进了建筑群本身，成为了招牌，伴随着小黑蛛的坠落，它们也七零八碎的掉落。
这种具象化某一声音，并将其融入进背景的技法会极大的增强氛围的渲染，也与气泡相互呼应，造就独一无二的阅读感。
《蜘蛛侠：纵横宇宙》也保留了拟声词的设定，并用更醒目的字体与特效，强调视听高度同步的阅读体验。
同时米尔戈热爱的颜色漂移、辅助线画法也同样沿用至今，角色依然会有清晰的描边，略微张乱的线条与多余颜色的溢出，在视觉上营造了一种模糊感，突出了视觉重心，场景依旧是色彩鲜艳、静态2.5D背景突出角色的高速移动。
如果重温过《蜘蛛侠：平行宇宙》很多遍的观众应该能发现一个细节，那便是影片对于人物的镜头，从来没有用过景深与动态模糊的方式来凸显叙述的重点。
那么《蜘蛛侠：平行宇宙》是如何在做到全程以上帝角叙事与鲜艳色彩的同时，让观众的视野始终所在在蜘蛛侠身上的？
其实原理很简单，上世纪美漫由于技术不成熟的原因，往往生产出的漫画不是缺页缺角，就是漫画渲染不到位，颜色漂移，辅助线未清理干净。
但恰恰是上述技术不到位的特征，让美漫也走上了一条截然不同的道路。
粗狂的笔锋，野蛮的线条，厚重的描边，以及迷幻的色彩构成了美漫的核心要素。
也就导致，美漫的风格多以写实荒诞为主，或以搞笑滑稽的形象出没，或以严肃、混杂的方式续写。
而《蜘蛛侠：平行宇宙》便是保留了上世纪漫画特有的质感，合理的分配了画面色彩的饱和度，人眼往往会自动转移相对清晰，色彩较为舒适的部分，而颜色的偏移则会带来一种视觉上的模糊，也就产生了景深独有的效果。
新旧技术造就不同风格的蜘蛛侠
故障艺术在近两年不论是游戏还是影视作品都比较常见，例如EA最新的《极品飞车：不羁》就采用故障艺术，来凸显赛车引擎轰鸣的声音，老生常谈的漂移，也能在故障艺术的加持下变得无比新鲜，像是刮碎了某个时空，喷涌而出的不是氮气，而是聚合失真的颜色肆意挥洒。
所以故障艺术代表的是破碎间无限的变数，是艺术家在一次又一次的意外中提取出的精华，一副画作可能平庸，但将其拆散将会出现意想不到的效果。
《蜘蛛侠：平行宇宙》便在时空破碎与穿越的情节采用了这种艺术，表达时空的撕裂与不安感，充分发挥了故障艺术的本质。
《蜘蛛侠：平行宇宙》重点始终在于平行宇宙，故障艺术作为平行宇宙的壳很好的表现了其混乱的特征，而混乱的本质，则在于不同时空截然不同的蜘蛛侠。
初次见到暗影蜘蛛侠会觉得他身上有一种隔壁蝙蝠侠的味道。
作为纳粹时期的蜘蛛侠，风衣与兜帽是他最有力的象征，一把旧时代手枪代表着他所处的时代，但更引人注目的，便是伴随出场时无处不在的雨，与色彩“亮丽”的黑。
暗影蜘蛛侠是黑，但不能像蝙蝠侠一样黑。
早期的蝙蝠侠电影想要让观众能注意到蝙蝠侠使用了不少伎俩，毕竟蝙蝠侠实在是太黑了，偏偏又喜欢夜晚出没。
所以当时道具组在打光上格外讲究，在蝙蝠装上也下了不少功夫。
但动画就不用这么麻烦了，动画组巧妙地结合了黑白漫画里常用的网点纸，来为暗影蜘蛛侠打上一层永不落幕的光。
网点是用于印刷上灰色调的点状表现，密密麻麻、排列整齐的黑点能让读者产生一种视觉差，误以为这是灰色。
而具体表现在暗影蜘蛛侠身上，则会起到一种很好的互补效果，他的风衣上会有明显的点阵，用于表现阴影。
而其余几位蜘蛛侠，除开格温的风格较为羸弱外，其余的蜘猪侠、潘妮帕克都能凸显平行时空的主题。
潘妮帕克为标准的二次元日式美少女风格，表情神态居多，整体也更偏向2D，蜘猪侠则是完全纸片人的状态，颇有橡皮管动画的感觉。
蜘猪侠的所有行动方式，都是以近乎可控的状态呈数字图形的方式，有规律的移动，就像是《茶杯头》中的boss设计，人物的胳膊、腿、关节都能以夸张的形态拉伸压缩，并且还有四次元口袋，很有橡皮管动画的创意。
《蜘蛛侠：平行宇宙》本身也是注重遗老元素的一部集大成动画，并没有一昧的让角色动作更加合理，而是在人物特性上做足了文章，与橡皮管动画的初衷一致
——做会动的漫画书
——《蜘蛛侠：纵横宇宙》的背后是只有艺术家存在的世界
从《蜘蛛侠：纵横宇宙》的预告来看，这次的画风多达数十种，上百种蜘蛛侠的乱斗也绝对能带来不容小觑的彩蛋效应与视听体验，更有3D角色的加入，只能说索尼太懂蜘蛛侠了。
相信在看完本篇文章之后，能让对你美漫有全新的认识， 也能更好的带入《蜘蛛侠：平行宇宙》系列独有的美学。
对于观众来讲，《蜘蛛侠：纵横宇宙》将是一次前所未有的感官狂潮，对于美术从业者来讲，它将是一个值得重复观看的学习资料，而对于蜘蛛侠粉丝而言，《蜘蛛侠：纵横宇宙》将会点亮老粉灰蒙的记忆，成为新粉的下一个经典。
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